Die Abstraktion der Dinge

„Ich habe wirklich wenig Lust mich weiter mit diesen Leuten zu ärgern u. werde wohl meine Tätigkeit, für diese Kunstbanausen zu arbeiten, jetzt aufgeben.“ Milly Steger 1914

Aus diesen Zeilen spricht das Selbstbewusstsein einer Frau, die als Bildhauerin der Weimarer Republik eine Vorreiterrolle für viele Künstlerinnen einnimmt: Milly Steger – Skandalkünstlerin und Ausnahmetalent. 1881 in Rheinberg am Niederrhein geboren, beginnt sie ihr Berufsleben in der Klasse für Stuckateure und Steinmetze an der Kunstgewerbeschule in Elberfeld. Durch diese handwerklich-technische Ausbildung entdeckt sie ihr Interesse an Bildhauerei. Zu einem Studium an einer Kunstakademie wird sie als Frau nicht zugelassen. Trotzdem erteilt Karl Janssen (1855–1927) Milly Steger zwischen 1901 und 1905 Privatunterricht. Er ist zeitgleich Leiter der Bildhauerklasse an der Düsseldorfer Akademie, in der auch Wilhelm Lehmbruck studiert. In Berlin lernt Milly Steger Georg Kolbe kennen, mit dem sie zusammenarbeitet. Sie besucht Florenz, Paris und Belgien, lernt Auguste Rodin, Aristide Maillol und George Minne in ihren Ateliers kennen. 1912 folgt sie der Einladung des Mäzens Karl Ernst Osthaus nach Hagen, wo sie offiziell zur Stadtbildhauerin berufen wird und mit bauplastischen Figurenaufträgen für Aufsehen sorgt. Mit überlebensgroßen und vollständig nackten Frauenfiguren für die Fassade des Theaters löst sie schließlich einen öffentlichen Skandal aus und steigert ihre überregionale Bekanntheit. 1917 in die Hauptstadt zurückgekehrt, stellt sie im berühmten Kunstsalon Fritz Gurlitt aus und wird zur zentralen Bildhauerin der Weimarer Republik.

Auch Einzelausstellungen außerhalb Berlins, Portraitaufträge und nicht zuletzt ihr Auftritt in der Filmreihe „Schaffende Hände“ von Hans Cürlis (1927) bestätigen ihren Erfolg. Ab 1927 spielt sie eine entscheidende Rolle als Vorsitzende im Verein der Berliner Künstlerinnen (VdBK). Hier unterrichtet sie zunächst die Klasse für Aktzeichnung, bevor sie 1929 eine Bildhauereiklasse gründet, die bis 1942 besteht. Diese Klasse bildet einen wichtigen Anlaufpunkt für viele Frauen, die in der Männerdomäne der Bildhauerei selten von den Akademien akzeptiert werden. Auch Louise Stomps und Marianne Mangels arbeiten phasenweise mit Milly Steger zusammen, die sich als Mitglied im Arbeitsrat für Kunst vehement für einen gleichberechtigten Umgang mit Künstlerinnen und Künstlern einsetzt. Wobei sie Kategorien wie „Frauenkunst“ ablehnt:

„Es gibt für mich nur gute und weniger gute Künstler.“ Milly Steger 1936

„Nach handwerklicher Ausbildung in Bunzlau Auseinandersetzung mit der Natur während des Studiums in Berlin. Es folgen Jahre des Versuchens, weitgehende Abstraktion der Dinge in meinen Arbeiten zu erreichen. Seit einiger Zeit Bestreben das, was mich innerlich bewegt, figürlich zum Ausdruck zu bringen.“ Marianne Mangels, 1980

Mit diesen Worten antwortet Marianne Mangels auf die Bitte des Galerieleiters Hans Stephan, ihren künstlerischen Weg zu beschreiben. Es ist zugleich, die einzige Selbstäußerung, die sich in den Ausstellungsdokumentationen der Städtischen Galerie in Delmenhorst findet. Marianne Mangels wächst in Brandenburg auf und kommt über eine handwerkliche Ausbildung, die sie an der Fachschule für Keramik bei dem Bildhauer Fritz Theilmann in Bunzlau absolviert, zur Kunst. Als zweite Station wird in jedem Lebenslauf die Bildhauereiklasse von Milly Steger genannt. 1932 heiratet sie Johannes Mangels und gemeinsam bereisen sie vor Kriegsbeginn Venedig und Florenz. Johannes Mangels wird 1939, sofort bei Kriegsbeginn, in die Armee eingezogen und kommt erst sieben Jahre später aus der Kriegsgefangenschaft zurück. Marianne Mangels erlebt den Krieg in Berlin und verlässt die Stadt, nachdem ihr Atelier und ihre Wohnung bei einem Bombenangriff 1945 zerstört wurden.

Sie wendet sich an Verwandte in Stade, wohin Johannes Mangels ihr folgt. Ab 1955 wohnen sie in Delmenhorst, er arbeitet als Maler und Kunstlehrer des Max-Planck-Gymnasiums, sie widmet sich der Bildhauerei. Ihre Werke stellt Marianne Mangels häufig zusammen mit den Bildern ihres Mannes aus. 1957 sind beide bei einer Gruppenausstellung in der renommierten Galerie Gurlitt in München vertreten. Auf dem Faltblatt abgebildet ist die „Kleine Kokette“, eine Figur der Künstlerin aus Gussbeton. Diesem Material hat sich Marianne Mangels sicher aus finanziellen Gründen zugewendet. Häufig imitiert sie durch die farbige Fassung eine metallische Oberfläche. Einen Bronzeguss kann sie sich nur in Ausnahmen leisten. Sie entstehen im Zusammenhang mit Ausstellungen. So finden sich im Haus Coburg Archiv einzelne Gießereirechnungen. Auch im Falle eines Ankaufs, werden Güsse in Auftrag gegeben, wie sich Friedrich Cordes erinnerte.

Im Haus Coburg richten Marianne und Johannes Mangels drei Ausstellungen ein, die erste bereits 1962 in der von Hermann Coburg initiierten galerie pro arte. Auch in Hamburg, Stade, Bremerhaven und Oldenburg stellen sie ihre Kunst vor, obwohl sie sich weitgehend aus der Kunstöffentlichkeit zurückziehen. Was allerdings Beiden am Herz liegt, ist eine Kunstvermittlung, die alle Sinne anspricht. Johannes Mangels engagiert sich als Kunstpädagoge und Buchautor, Marianne Mangels durch öffentliche Atelierbesuche, bei denen sie die Natur als Inspirationsquelle für ihre Figuren unterstreicht. Hölzer, Steine oder Muscheln regen ihre Formbildung an. Farnpflanzen, mit ihren sich im Frühjahr entrollenden Wedeln, lieferten beispielsweise das Vorbild für die Skulptur der „Der Reigen“. „Geschenke des Himmels“ nennt Marianne Mangels die Naturformen, denen sie künstlerisch nachfolgt.

„Da steht das Holz, der Stein oder der Ton, der Gips wartet. Eine Vorstellung ist da, Skizzen, alle Vorbereitungen sind getroffen, aber das ist nicht der Kampf, diese Vorstellung zu erringen, das Werk so zu bringen wie es gedacht, nein es zum Singen zu bringen, Töne der Linie der Form will ich hören resp. sehen, immer mehr, immer klarer, bis plötzlich die Arbeit singt.“ Louise Stomps, o.J.

Louise Stomps entscheidet sich mit 27 Jahren, ihr Leben der Bildhauerei zu widmen. Bis dahin folgt sie den gesellschaftlichen Erwartungen, sie besucht ein Mädchenpensionat, heiratet den Diplom-Ingenieur Hans Becker und bekommt zwei Töchter. Erst nach der Scheidung beginnt sie, 1928 an den Vereinigten Staatschulen für freie und angewandte Kunst in Berlin zu studieren und ihre Werke auszustellen. Zwischen 1928 und 1932 nimmt sie an der Abendklasse der Vereinigten Staatsschulen für freie und angewandte Kunst in Berlin am Unterricht bei Johannes Röttger teil und darf wegen ihrer besonderen Befähigung die Akademie auch tagsüber besuchen. In dieser Zeit besucht Louise Stomps außerdem die Bildhauerei-Klasse von Milly Steger beim Verein der Berliner Künstlerinnen (VdBK), der Frauen seit 1867 ein eigenes Forum bietet.

Mit dem Wahlsieg der Nationalsozialisten zieht sie sich aus dem öffentlichen Leben zurück. Aus Solidarität mit Ernst Barlach und Käthe Kollwitz, deren Werke 1936 aus der Jubiläumsausstellung der Akademie der Künste entfernt worden waren, stellt sie kaum noch aus und beteiligt sich ab 1943 aktiv am Widerstand. Ein großer Teil ihres Frühwerks wird 1943 bei einem Bombenangriff zerstört.

Nach dem Zweiten Weltkrieg hoffen Künstlerinnen und Künstler auf eine schnelle Erholung von der Kulturpolitik der Diktatur. Louise Stomps beteiligt sich ab 1945 an Ausstellungen, beispielsweise in der Galerie Gerd Rosen, und wird entschieden von der Sammlerin Hanna Bekker vom Rath gefördert. 1947 lehnt sie das Angebot ab, an der Hochschule in Weimar die Holzbildhauereiklasse zu leiten. Sie engagiert sich 1950 bei der Gründung des Berufsverbands Bildender Künstler und wird 1951 mit dem Kunstpreis der Stadt Berlin ausgezeichnet. Ihr Beitrag zum internationalen Wettbewerb „Der unbekannte politische Gefangenen,“ vom Institute of Contemporary Art in London ausgerufen, erhält 1953 eine „ehrenvolle Erwähnung.“ Trotz dieser Achtungserfolge kann Louise Stomps von ihrer Kunst kaum leben.

1960 entscheidet sie, Berlin zu verlassen und erwirbt in Rechtmehring bei Wasserburg am Inn eine verfallene Wassermühle. In der ländlichen Region findet sie optimale Gegebenheiten, um ihre Lebenshaltungskosten zu reduzieren, mit dem Rohstoff Holz zu arbeiten und ihre organisch-abstrakten Skulpturen in großen Formaten zu realisieren. Obwohl sie zurückgezogen lebt, stellt sie ihre Werke weiterhin aus, reist viel mit ihrem Motorrad und besucht regelmäßig Ausstellungen in Paris, Kassel, Berlin und Frankfurt a.M..

„Der modernen Kunst erging es wie einer edlen, vielen noch nicht vertrauten Pflanze, der ein Stümper mit roher Hand die Knospen und Triebe abgerissen hat. Übrig blieb nur der kahle Stiel. Nun würden wir eine so gequälte Pflanze in die beste Erde pflanzen und den besten Platz in der Sonne geben, damit sie sich vor allem wieder aufrichtet.“ Louise Stomps, o.J.

Metaphorisch beschreibt Louise Stomps hier die scharfe Zäsur, die der Nationalsozialismus in die Biografien der Künstlerinnen und Künstler gräbt. Materialknappheit, Berufsverbote, Verfolgungen und Überlebenskampf macht ein Arbeiten und Ausstellen zwischen 1939 und 1945 für viele unmöglich. Louise Stomps hat vereinzelt Gelegenheit, Werke in Privaträumen von Förderinnen wie Hanna Bekker vom Rath vor einem geladenen Publikum zu zeigen. An öffentlichen Ausstellungen beteiligt sie sich nicht mehr. 1940 mietet sie in dem Berliner Vorort Caputh eine Bauernkate und vergräbt dort ihre Skulpturen, um sie vor Zerstörung zu bewahren.

Nach dem Krieg liegt das kulturelle Leben in Deutschland brach. Den Museen fehlt es an Geld, an intakten Architekturen, an Fachkräften und auch an Kunstwerken, die von der nationalsozialistischen Zensur beschlagnahmt, verkauft oder vernichtet worden waren. Die überwiegende Zahl an innovativen Köpfen hat Deutschland verlassen, die Verfolgung nicht überlebt oder ist traumatisiert. Durch Gruppenausstellungen, Wettbewerbe und Preise gefördert, blüht nach dem Krieg die kreative Energie in Berlin kurz wieder auf. 1948 wird der Kunstpreis der Stadt Berlin zum ersten mal von der Akademie verliehen, die erste Preisträgerin ist die Bildhauerin Renée Sintenis. Ihre Skulptur eines aufrecht stehenden Bären ist immer noch das Wahrzeichen der Stadt und wird in goldener und silberner Version jährlich auf der Berlinale verliehen.

Die Galerie Rosen eröffnet bereits 1945 im vollkommen zerstörten Berlin eine Dependance, verantwortlich für die moderne Kunst ist hier Ilse-Margret Vogel. Sie zeigt die kürzlich noch verfemte Kunst und mit im Programm sind junge Künstlerinnen wie Louise Stomps und Renée Sintenis. Langfristig kann sich Berlin nicht von den Kriegsfolgen erholen und mit der Insellage im Osten verliert die Stadt ab den 1950er Jahren schnell an kultureller Bedeutung.

Was sich in Westdeutschland etabliert, ist die Abstraktion als alle Gattungen bestimmende, künstlerische Sprache. Dass ihre Anfänge in der Kultur der Weimarer Republik liegen, vermitteln Filmdokumente, die der Kunsthistoriker Hans Cürlis seit 1923 gedreht hatte. In seinem berühmten aber nur partiell erhaltenen Zyklus „Die schaffenden Hände“ portraitiert er Künstlerinnen und Künstler sehr konzentriert beim Arbeiten in ihren Ateliers. Unter den ersten dokumentarischen Portraits von Bildhauerinnen finden sich Milly Steger, Käthe Kollwitz und Renée Sintenis.